Las 10 mejores películas de anime de todos los tiempos

 El anime, a pesar de ser una de las propiedades culturales más ubicuas del siglo XXI, es especialmente difícil de definir, debido a más de un siglo de evolución y reinvención del medio. Desde los cortos de cinco minutos de Oten Shimokawa en 1917, hasta las animaciones de largometraje producidas durante la Segunda Guerra Mundial, los ciclos de producción pioneros de Tezuka en los años 60 y las innovaciones autoristas de la talla de Miyazaki y muchos otros hacia este último. mitad del siglo pasado. El anime se ha transformado a través de innumerables fases, desde los esfuerzos de los aficionados hasta el forraje de la propaganda nacionalista y la exportación cultural de nicho que se convirtió en un eventual fenómeno global, cada iteración se ajusta a la forma de los tiempos en los que se produjo. La televisión expandió el medio durante la década de 1960, dando origen a muchos de los géneros y subgéneros esenciales que conocemos hoy en día y dando impulso a la relación inextricable de la industria del anime con la publicidad y el merchandising a partir de la década de 1970. La llegada del video casero catapultó al anime a su ápice comercial y estético, extendiéndose desde la nación isleña de Nippon hasta las lejanas costas de América del Norte y viceversa, antes de ser nuevamente revolucionado por la accesibilidad sin precedentes de la World Wide Web a lo largo de los noventa y principios. aughts. La película de anime debe mucho a los medios de producción y distribución en evolución a lo largo del siglo XX, la amplitud y la audacia del contenido del medio se amplía y se contrae junto con su tiempo de ejecución para satisfacer las paletas emergentes de audiencias tanto nuevas como antiguas, en casa y en el extranjero. Pero, ¿por dónde empezar a abordar el precedente histórico y estético que ha dejado el cine de anime sobre la cultura pop y el entretenimiento global en el último siglo?

Esta lista de las mejores películas de anime es un intento de hacer precisamente eso: crear una cartilla de cien de las películas más influyentes y esenciales que ha producido la animación japonesa ofrece un desglose estético, técnico e histórico completo de por qué estas películas son importantes. Con ese fin, Paste se enorgullece de contar con el talento curatorial de Jason DeMarco, director creativo en vivo de Adult Swim y co-creador de Toonami, cuyo papel único en la popularidad emergente del anime en Occidente ha ayudado a perfeccionar esta lista al máximo. . Dada la evolución compartida entre el cine de anime y la televisión y la importancia mencionada anteriormente de la revolución del video doméstico, esta lista incluye no solo características tradicionales, sino también animaciones de video originales (OVA) hechas para videos caseros y películas de antología, con la estipulación de que cada entrada tiene al menos En algún momento se estrenó en los cines. Esperamos que al seleccionar esta lista hayamos creado un punto de entrada tanto para el experto como para el laico, el otaku y el neófito, para rastrear la rica y variada historia de la evolución del anime tanto en el cine como en la cultura popular, y ofrecer a los recién llegados una guía completa a través de la cual aprender, redescubrir, explorar y debatir todo el potencial que el género de la animación japonesa tiene para ofrecer ahora y en el futuro.

10. The Boy and the Beast (2015)

Mamoru Hosoda is championed as one of the greatest anime directors working today. That reputation is owed in no small part to him being touted as the heir apparent to the cinematic legacy of Hayao Miyazaki, who formally retired from directing following the release of his then-final film The Wind Rises in 2013. Despite this glowing association, few of Hosoda’s handful of films have managed to graze the same strata of cinematic accomplishment and canonical enshrinement that typifies the storied career of the Studio Ghibli luminary.

9. Mind Game (2004)

Director: Masaaki Yuasa

Tratar de precisar el debut de Masaaki Yuasa en 2004 con un resumen no es una tarea fácil, ya que el ahora famoso director detrás de clásicos del anime modernos como Kick-Heart, Ping Pong y The Tatami Galaxy se deleita desafiando las expectativas con su enfoque maximalista de todo vale. a la animación. Cuando Nishi, un aspirante a dibujante de cómics de 20 años, muere en un atraco de una yakuza mientras intentaba proteger a su amor de infancia, Myon, su alma se encuentra con Dios antes de escapar del Limbo y reasumir su cuerpo momentos antes de su trágica muerte. La pareja lidera una escapada a alta velocidad en uno de los autos del miembro de Yakuza antes de sumergirse en el océano y ser tragada en el vientre de un ... ¿ves a lo que me refiero? Mind Game es como presenciar un viaje de siete horas de Ayahuasca encapsulado en un largometraje. Impresionista, vanguardista y, sobre todo, único, Mind Game es una conmoción confusa y estimulante para los sentidos que es casi imposible de olvidar.

8. Redline (2009)

Without question, Takeshi Koike is one of the greatest animators alive and working today. Problem is, you’ve probably never heard of him. Not surprising, considering his most critically recognized work was not produced until well into his late thirties. Recruited by studio Madhouse straight out of high school in 1986, Koike became something of a protégé to veteran director Yoshiaki Kawajiri and cut his teeth as an inbetween animator for such films as Cyber City Oedo 808 and Ninja Scroll before striking out on his own projects during the 2000s. After directing projects such as Trava: Fist Planet, The Animatrix short “World Record,” and the pilot for Afro Samurai, Koike poured the sum total of his talents into creating what is now popularly considered his opus: Redline, a stylistically bold high-octane racing adventure nearly seven years in the making. Koike’s style is unmistakable, with exaggerated silhouettes framed by jagged shadows, extreme focal points, and unrelenting action that recalls the works of Mike Mignola, Frank Miller and Peter Chung. Redline is a feast for the senses, a no-holds-barred visual spectacle with every framed packed with innocuous intricacies rendered in meticulous loving detail. The story is threadbare, no doubt, but as a film that triumphantly pays off its protracted gestation period with a product that’s this unabashedly impressive and downright cool, Redline squarely fits into the select number of anime films that one just has to see before they die.

7. Belladonna of Sadness (1973)

Inspirada en el libro Satanism and Witchcraft de Jules Michelet, la tercera y última película de la trilogía "Animerama" de Osamu Tezuka fue tan cara y vanguardista que su fracaso llevó a la bancarrota a su productora, Mushi Pro. La única película de la trilogía no dirigida por Tezuka (dejó el proyecto en sus etapas conceptuales), Belladonna of Sadness de Eiichi Yamamoto se encuentra entre las películas animadas más inusuales jamás puestas al celuloide. Esta no es una gran sorpresa para un talento tan legendario como Yamamoto, entre cuyos poderosos créditos se encuentran títulos como Kimba the White Lion y Space Battleship Yamato. Belladonna of Sadness es la historia de una mujer del pueblo llamada Jeanne que es violada por su señor y sus hombres en su noche de bodas, luego hace un trato literal con el diablo para obtener poderes mágicos y liderar una rebelión contra sus violadores.

6. Millennium Actress (2001)

La segunda película de Satoshi Kon, Millennium Actress, se basa en los temas del cine y la celebridad previamente explorados en su debut Perfect Blue, en lugar de hacerlo en el molde de una búsqueda de amor de cuento de hadas metaficcional. Inspirada en las vidas de Setsuko Hara y Hideko Takamine, dos de las principales estrellas japonesas de principios de siglo, Millennium Actress sigue la historia de Chiyoko Fujiwara, una septuagenaria solitaria que cuenta la historia detrás de su ilustre carrera como actriz de cine cuando un par de entrevistadores deseosos de filmar un documental. Uno de los motivos característicos de Kon como director es la mutabilidad de la realidad y la fantasía, explorando cómo los dos se unen constantemente, creando obras que hablan de la multiplicidad de la experiencia humana.

5. Super Dimension Fortress Macross: Do You Remember Love? (1984)

El Macross de Shoji Kawamori, conocido en los Estados Unidos como Robotech, tiene una historia complicada tanto en su país de origen como aquí en los estados. La primera película de Macross, Macross de 1984: ¿Recuerdas el amor? complicó aún más el legado de Macross. La película es esencialmente una reinvención de la (en ese momento) popular serie de televisión, Macross. Al igual que el programa, la película se centra en la tripulación de una fortaleza espacial gigante, Macross, mientras intentan evadir a una raza alienígena, los Zentradi, y descubren que la clave de su victoria podría ser el efecto que tiene la música pop hecha en la Tierra. sobre su enemigo.

4 Metropolis (2001)

No debe confundirse con la histórica película de ciencia ficción de Fritz Lang de 1927 del mismo nombre, Metropolis es en cambio una adaptación flexible inspirada en el manga de Osamu Tezuka de 1949, que a su vez se inspiró en parte en la obra de Lang antes mencionada. Escrita por Katsuhiro Otomo y dirigida por Rintaro, la estética y los temas de la película comparten más que un parecido pasajero con el Akira que define el género de Otomo. Ambientada en la megaciudad de múltiples capas en medio de la agitación social entre la burguesía humana y la clase trabajadora robótica, Metropolis sigue la historia del detective privado Shunsaku Ban y su sobrino Kenichi quienes, mientras visitaban Metrópolis en su misión de detener al infame Dr. Laughton, Sucede con una misteriosa chica robótica llamada Tima cuya existencia, de hecho, puede ser la clave para la salvación o la destrucción de la ciudad.

3. My Neighbor Totoro (1988)

Mi vecino Totoro no solo es la película más icónica de Miyazaki hasta la fecha, también es una película familiar casi perfecta que logra destilar la esencia del capricho de la infancia en su estado más puro. La película tiene una especie de atractivo atemporal sobre sí misma, desarmando a las audiencias nuevas y viejas de sus cinismos y sospechas con hermosos escenarios, personajes empáticos y un tema contagioso de banda de música. Ambientada en 1958, la película sigue al profesor universitario Tatsuo Kusakabe y sus hijas Satsuki y Mei mientras se mudan a una vieja casa en el campo para estar más cerca de su madre, que se está recuperando de una larga enfermedad.

1. The Wind Rises (2013)

De todos los motivos y tropos más persistentes de Miyazaki, no hay ninguno más coherente en el cuerpo de la obra que el de la representación del vuelo. Así que no es de extrañar que The Wind Rises, su undécimo y último largometraje hasta la fecha, se centrara directamente en representar la vida del ingeniero de aviación japonés Jiro Horikoshi y el complicado legado que sus creaciones relacionan no solo con la identidad cultural pacifista del Japón contemporáneo, sino también , a nivel personal, al mismo Miyazaki. Una historia de cómo un creador no puede controlar en qué se convierte su trabajo, solo la dedicación y el oficio al que se dedican en el trabajo en sí. The Wind Rises es nada menos que el testimonio artístico final de Miyazaki sobre la capacidad paradójica de la humanidad tanto para el acto redentor de la creación como para la persecución tenaz de la autoaniquilación.

1. Grave of the Fireflies (1988)

La tumba de las luciérnagas de Isao Takahata es la desgarradora historia de dos niños cuyas vidas quedan devastadas por el bombardeo de Kobe en 1945. Adaptada de la historia autobiográfica de Akiyuki Nosaka, la película sigue a Seita, un joven japonés obligado a cuidar de su hermana menor, Setsuko, tras un devastador ataque aliado que deja su ciudad natal en ruinas. Describir la suma de sus tragedias como "horripilantes" se siente como un eufemismo. El horror de La tumba de las luciérnagas no depende de meditar sobre actos de violencia insensibles o de obsesionarse con lo macabro, sino más bien de la futilidad desgarradora de Seita y Satsuko tratando desesperadamente de aferrarse a una pizca de normalidad en un mundo desprovisto de paz. y seguridad.

 Spirited Away (2001) ---- Best Anime Movie

¿Qué tiene El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki que la convierte en una de sus mejores, si no la mejor, películas que ha hecho? Quizás sea porque la película representa la mejor expresión de sus temas y conceptos más definitorios hasta la fecha. La fuerza y perseverancia de una mujer joven, la exultante gloria de la huida, la lucha espiritual de la amnesia personal y cultural con la sociedad japonesa, el poder redentor del amor. O tal vez tenga algo que ver con el quid de la historia de la película siendo tan arquetípicamente identificable, no tanto una reinvención moderna como una evocación espiritual de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll, una odisea de la infancia en un mundo que se siente familiar y extranjero. al mismo tiempo. Cualquiera que sea el caso, no hay nada como ver El viaje de Chihiro por primera vez.

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